Die Grammys

Foto: Danny Clinch

Interview

Mit einer aufschlussreichen HBO-Dokumentation im Rückblick und seiner ersten großen Schauspielrolle auf der Leinwand im Herbst muss sich Jason Isbell damit abfinden, ein öffentliches Gesicht zu haben. Sein neues Album mit der 400 Unit, „Weathervanes“, ist das Produkt dieser Selbstverwirklichung.

Zu diesem Zeitpunkt ist ein Album von Jason Isbell nicht nur ein Album; Es ist ein Punkt in seiner laufenden Presseerzählung, ein weiterer Brotkrümelpfad seines Privatlebens.

Seine ersten drei, nachdem er Drive-By Truckers verlassen hatte, repräsentieren den Mann in der Wildnis; „Southeastern“ aus dem Jahr 2013 und „Something More Than Free“ aus dem Jahr 2015 spiegelten seine neu entdeckte Nüchternheit und seine Ehe mit der Musikerin Amanda Shires wider.

Die Geburt seiner Tochter spielte im GRAMMY-prämierten Film „The Nashville Sound“ von 2017 eine große Rolle. „If We Were Vampires“ auf diesem Album, ein Duett mit Shires, gilt als Isbells Denkmal der Sterblichkeit und gewann einen GRAMMY.

Mit „2020’s Reunions“ erschien ein aufsehenerregender Artikel der New York Times über die Ehekämpfe von Isbell und Shires, mit der Bemerkung über einen Rückfall – plötzlich wirkte sein Aufstieg belastet und kompliziert.

All dies wirft die Frage auf: Ist es für Isbell jemals lästig oder frustrierend, dass sein Privatleben mit jeder Aufzeichnung kodifiziert und beleuchtet wird?

„Ehrlich gesagt denke ich, dass ich das zu schätzen weiß. Ich denke, dass es dem ultimativen Zweck des Kunstmachens dient – ​​das eigene Leben zu dokumentieren, weil es wirklich eine Möglichkeit ist, an diesen Dingen festzuhalten“, sagt er gegenüber GRAMMY.com. „Wenn du diese Dinge zurücklässt, schleichen sie sich an dich heran, und dann befindest du dich in einer schlechten Lage, und du weißt nicht, warum.“

Isbells neues Album Weathervanes erscheint am 9. Juni; Es ist sein sechstes Album mit der langjährigen Begleitband 400 Unit. Im Kern handelt es sich um eine psychologisch zersplitterte Besetzung von Charakteren, die in Highlights wie „Death Wish“, „King of Oklahoma“ und „This Ain't It“ zu finden ist.

„Sie sind fehlbar und menschlich. Und ich denke, sie alle versuchen auf die eine oder andere Weise ihr Bestes zu geben“, sagt Isbell über die Bindungen, die sie verbinden. „In jedem von ihnen steckt viel von mir – manche mehr als andere.“

Anstatt seine Ehe oder Nüchternheit zu kommentieren, ist Weathervanes das Ergebnis seiner veränderten Beziehung zu Druck und seiner Tatsache, dass er in der Öffentlichkeit steht. Das Album erscheint im Nachgang zu „Running With Our Eyes Closed“, einer nervenaufreibenden HBO-Dokumentation über Isbell. Er spielte gerade in seinem ersten großen Film mit, in Martin Scorceses Killers of the Flower Moon, der im Oktober in die Kinos kam.

„Es ist in Ordnung zu sagen: ‚Das ist eine beängstigende Sache. Ich habe Angst, dass sich die Leute nicht auf die gleiche Art und Weise damit identifizieren werden und meine Arbeit nicht die gleiche Wirkung auf die Leute haben wird wie sie.“ „in der Vergangenheit“, sagt Isbell. „Und als ich lernte, das mir selbst und den Menschen, die mir wichtig sind, zuzugeben, wurde es viel einfacher.“

Lesen Sie weiter für ein ausführliches Interview mit Isbell über den Weg zu Weathervanes, wie die Regie von Scorcese seinen Prozess im Studio beeinflusste und wie er seine Tage voller Partys und Touren als Drive-By-Truckers überlebte.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet.

Können Sie einen Zusammenhang zwischen Ihrem Aufenthaltsort während der Reunions-Zeit und Ihrem Aufenthaltsort während der Weathervanes-Ära herstellen? Die HBO-Dokumentation hat ersteres sicherlich eingefangen.

Ja ja. Und dann, mittendrin, gab es den Lockdown und all diese Dinge.

Für mich war die Pandemie-Ära – obwohl sie noch nicht vorbei ist, aber das, was wir diese Pandemie-Ära nennen, diese ein oder zwei Jahre, in denen wir alle zu Hause festsaßen – letztendlich ein guter Zeitpunkt für mich, einige psychologische, emotionale Fragen, die ich gestellt habe, noch einmal zu überdenken hatte, und ich habe eine Menge davon sortiert.

Als der Großteil des Dokumentarfilms gedreht wurde, fiel es mir schwer, mit dem Druck meiner Arbeit und meiner Familie umzugehen. Und der Hauptgrund, warum ich damit zu kämpfen hatte, war, dass ich es einfach nicht als das erkannte, was es war, und mir der Wirkung, die diese Dinge auf mich hatten, nicht bewusst war.

Ich denke, dass es mir wirklich geholfen hat, so lange mit meiner Familie und mir selbst im Haus festzusitzen. Es zwang mich dazu, mich damit auseinanderzusetzen und zuzugeben, was mir wirklich Schwierigkeiten bereitete. Und als ich das überstanden hatte, öffneten sich die Dinge und wurden viel einfacher für mich.

Es hat mir wirklich sehr viel Spaß gemacht, Wetterfahnen herzustellen. Ich weiß nicht, ob es mir Spaß gemacht hat, es zu schreiben, denn ich weiß nicht, ob es jemals wirklich Spaß macht. Es macht Spaß, wenn man ein Lied beendet hat; Es fühlt sich an, als hättest du gerade das Fitnessstudio verlassen.

Aber wenn Sie vor der leeren Seite sitzen, haben Sie das Gefühl, als würden Sie ins Fitnessstudio gehen, und Sie hätten in der Nacht zuvor vielleicht gerade vier Stunden geschlafen.

Womit hatten Sie intern zu kämpfen? Nur Sachen aus der Kindheit, Sachen aus der Vergangenheit, die dich nerven?

Davon gab es einiges. Es waren auch nur Beziehungsschwierigkeiten; sie waren einfach konstant.

Amanda und ich sind seit 10 Jahren verheiratet und so kommt man in diesen Lebensrhythmus, in dem man jeden Tag die gleichen Rituale durchläuft, die gleichen Fragen stellt und die gleichen Antworten bekommt Es ist leicht, in diese Monotonie zu verfallen und nicht wirklich nach Möglichkeiten zu suchen, sich weiterzuentwickeln.

Ich glaube, bevor die Pandemie ausbrach, war ich an einem Punkt angelangt, an dem ich mich in diesem Rhythmus befand: rausgehen und Konzerte spielen, Platten aufnehmen, nach Hause kommen, Zeit mit der Familie verbringen. Ich habe den Druck, der dadurch entsteht, und insbesondere bei der Arbeit, irgendwie ignoriert.

Ich hatte bei meinen letzten Alben das große Glück, dass sie gut angenommen wurden und die Dinge wirklich gut gelaufen sind. Und wenn ich ins Studio gehe, um eine Platte aufzunehmen, fällt es mir schwer, mir einzugestehen, dass mir das Angst und viel Stress bereitet hat, weil mir mein Aussehen dadurch nicht gefiel. Ich wollte hart wirken und so aussehen, als hätte ich alles unter Kontrolle.

Und nachdem ich „Reunions“ gemacht hatte, wurde mir klar, dass das nicht unbedingt der Fall sein muss. Und als ich lernte, das mir selbst und den Menschen, die mir wichtig sind, gegenüber zuzugeben, wurde es viel einfacher.

Aus welchen psychologischen oder spirituellen Quellen haben Sie für diese Lieder geschöpft?

Ich versuche, diese Charaktere zu erschaffen, und dann folge ich ihnen. Und ich weiß nicht genau, was sie als nächstes tun werden. Ich denke, nur so bleibt es wirklich natürlich. In jedem von ihnen steckt viel von mir – in manchen mehr als in anderen. Einige der Lieder, die ich schreibe, schreibe ich über mich.

Aber eines der Dinge, die ich am Songwriting mag, ist, dass man Musik nicht wirklich auf diese Weise kategorisiert. Auf diese Weise kategorisieren Sie Filme und Bücher; Es gibt Belletristik und Sachbücher, es gibt Dokumentationen und andere Filme. Aber bei Liedern ist das alles der Fall.

Vieles davon bin also ich selbst, und vieles davon sind synthetisierte Charaktere, die Eigenschaften mehrerer Menschen haben, die ich kenne. Dann lasse ich sie einfach natürlich handeln und folge ihnen, und die Themen finden dort ihren Weg.

Ich muss die Themen nicht einfügen, weil in meinem Unterbewusstsein genug davon vorhanden ist, dass sich die Songs am Ende mit realen Dingen befassen – solange ich allen gegenüber ehrlich bin.

In diesen Liedern steckt eine große Vielfalt an Perspektiven und Erfahrungen. Was haben die Weathervanes-Charaktere gemeinsam?

Ich denke, wenn es richtig gemacht wird, haben sie die gleichen Gemeinsamkeiten wie die Zuhörer. Sie sind fehlbar und sie sind Menschen. Und ich denke, sie alle versuchen auf die eine oder andere Weise ihr Bestes zu geben.

Das ist vielleicht das, was ich mehr als alles andere untersuche – nicht als Leitbild, sondern als Verbindungsstück, im Nachhinein ist die Idee, dass auf Menschen unterschiedliche Umstände, Einflüsse und Zwänge ausgeübt werden. Aber was bedeutet es, zu versuchen, die Hoffnung zu bewahren, zu überleben und in all diesen verschiedenen Lebensabschnitten sein Bestes zu geben?

Ich bin ein Randy-Newman-Fanatiker; Er kann die Details eines Romans in nur wenigen Zeilen zusammenfassen, indem er so viel Negativraum einbezieht. Mir ist aufgefallen, dass Sie von Anfang an charakterlich geschrieben haben, genau wie er.

Als ich Randy beim Newport [Folk Festival] traf, erzählte ich ihm, wie sehr ich seine Arbeit und alles liebe, und er beugte sich ganz nah zu ihm, wo niemand es hören konnte, und flüsterte mir ins Ohr: „Ich mag deine Lieder auch.“ " Das war ein ganz, ganz großer Moment für mich. Ich sagte: „Nun, Sie kommen mir nicht so wie ein Bulle vor – ähm, also werde ich das akzeptieren.“

Eines Ihrer Leitmotive für den Sound von Reunions war der 80er-Jahre-Rock, den Sie als Kind mochten. Was war die Klangästhetik von Weathervanes? Und können Sie etwas über die Lernkurve der Eigenproduktion sagen?

Ich fing an zu denken: OK, so klangen diese Platten von Dire Straits and the Police, und deshalb klangen sie auch so, und das ist es, was daran funktioniert hat, und was sich auf das Jetzt überträgt und was nicht, und was sein kann repliziert und was nicht.

Also habe ich einiges davon in die Weathervanes-Aufnahme eingebracht. Am offensichtlichsten war, dass ich bei einem Song wie „Save the World“ eine Absicht hatte, bevor ich ins Studio ging. Das passiert mir oft. Ich bekomme eine große Idee und denke: Oh, das ist großartig. Auf diese Weise können wir die gesamte Aufnahme machen.

Und wenn ich im Studio bin, denke ich: Okay, vielleicht nutzen wir das einfach als Werkzeug. Wir machen nicht die gesamte Platte so. Denn dann würde das das Konzept überfordern und von allem anderen ablenken.

Zuerst wollte ich eine trockene Platte machen. Ich habe Outlandos [d'Amour] aus dem Jahr 1978 gehört, die Platte von Police, und da ist kaum Platz, Hall oder so. „Roxanne“ – all diese Lieder gehen direkt ins Ohr. Und das ist eine Flexibilität, denn dazu muss man in der Lage sein, mit großartiger Stimmung und großartigem Timing zu singen und zu spielen.

Und die Polizei – erstens sind es nur drei, das ist also einfacher als mit fünf oder sechs Leuten. Aber sie waren auch Meistermusiker, und man muss wirklich auf den Punkt kommen, um so eine trockene Platte aufzunehmen, sonst wird es ein Chaos, wenn man die Harmonien singt.

Das war etwas, das ich letztendlich als Werkzeug benutzte. Ich denke, dass viele Teile dieser Platte weniger Hall und weniger Platz haben, als man erwarten würde. Ich denke, es wurde auf eine Weise gemacht, dass man es nicht unbedingt sofort bemerkt.

Als ich mir außerdem die Dokumentation „Get Back“ ansah, dachte ich: „Mann, diese Jungs haben keine Tuner.“ Sie haben es für die gesamte Platte einfach nach Gehör gestimmt.

Ich wollte meine Gitarrentechniker nicht quälen, also würde ich keine ganze Platte ohne Stimmgeräte machen. Aber es gibt einige Momente auf dieser Platte, in denen wir nach Gehör und nicht nach einer Maschine gestimmt haben, damit es menschlicher klingt. Ein großer Teil meines Produktionsstils – falls es so etwas überhaupt gibt – besteht darin, wie wir eine kleine Portion Menschlichkeit in etwas bekommen, das einigermaßen glatt und ausgefeilt ist.

Ich habe letztes Jahr [Co-Leiter von Drive-By Truckers] Patterson [Hood] auf Zoom interviewt und war beeindruckt, wie süß und energiegeladen er war. Wie habt ihr diese harten Tourjahre lebendig und unversehrt überstanden?

Wir kennen die Antwort darauf nicht. Wir hatten großes Glück. Außerdem waren wir weiß und männlich, und ich denke, das spielt eine große Rolle. Ich denke, wenn wir nicht weiß gewesen wären, hätte uns schon vor langer Zeit ein Polizist erschossen.

Ich weiß nicht, ob es in einigen dieser Situationen eine Art göttliches Eingreifen gab, aber wenn ich immer noch daran zurückdenke, denke ich: Ich weiß nicht, wie wir das alles überlebt haben. Ich wirklich nicht.

Gab es Nahtoderlebnisse?

Oh, es waren so viele. Wir sahen, wie sich direkt vor uns riesige, katastrophale Unfälle ereigneten. Es gab Zeiten, in denen wir auf schneebedeckten Bergpässen 20 Sekunden lang die Kontrolle über den Van verloren und er dann schließlich wieder einrastete. Ich weiß nicht, wie es passiert ist.

In einem anderen Sinne haben Sie in „Save the World“ die Waffengewalt angesprochen. Ich war beeindruckt, wie wenig predigend es war. Ich hatte das Gefühl, in deinem Kopf zu sein oder in ein Familientreffen einzuweihen.

Das ist der Trick, weißt du? Ich denke, man muss damit sehr persönlich umgehen.

Wenn Sie ein Lied über ein so großes, schweres Thema schreiben, versuchen Sie nicht, die Perspektive einer anderen Person einzunehmen. Liebe, Romantik, Trennungen, Herzschmerz, Tod; Wir alle haben Erfahrungen mit diesen Dingen.

Wenn Sie also darüber schreiben, steht es Ihnen frei, andere Perspektiven als Ihre eigene einzunehmen, denn diese Gemeinsamkeit haben wir alle. Wir wissen, wie sich diese Dinge anfühlen oder wie sich die Angst vor diesen Dingen anfühlt.

Aber wenn Sie über so etwas wie Schießereien in der Schule schreiben: Ich war an keinem davon beteiligt. Ich habe noch nie mit eigenen Augen gesehen, wie einer davon unterging. Ich war ein paar Mal nah dran, aber ich könnte es nicht aus der Perspektive von jemandem schreiben, der tatsächlich im Gebäude war. Um ehrlich zu sein, muss ich mir also überlegen: Welche Auswirkungen hat das? Mich? Wie fühle ich mich dabei? Und dann schreiben Sie aus dieser Perspektive. Ich glaube nicht, dass das jemals jemandem aufgefallen ist, aber die Songs, bei denen ich mich mit den größten und kompliziertesten Themen befasse, sind diejenigen, bei denen ich vom persönlichsten Standpunkt aus schreibe.

Geben Sie mir Ihre persönlichen MVP-Momente von den Mitgliedern der 400 Unit auf Weathervanes.

[Gitarrist] Sadler [Vaden] hat diese alte Vox-Gitarre mit eingebauten Fuzz-Effekten, auf der er bei „Miles“, dem letzten Song des Albums, gespielt hat, und dem wirklich etwas Besonderes hinzugefügt hat.

Es ist eine Vintage-Gitarre, aber keine sehr teure Sammlergitarre. Das Instrument hat diesen seltsamen, ausflippenden Fuzz-Ton, den er bei diesem Song mit großem Erfolg eingesetzt hat.

Jimbo [Hart]s Bass auf „Middle of the Morning“ ist einfach ein wunderschöner Groove. Es ist ein einfacher Teil, aber der Zeitpunkt dafür ist genau richtig. Er ist genau richtig in der Tasche.

Chad [Gamble] im Outro von Miles, wo mehrere Drumkits zum Einsatz kommen – ich denke, er hat das wunderbar gemeistert und am Ende den großen Beckenkrach aufgebaut.

Wir wollten einen Gong, aber Blackbird [Studio in Nashville] hatte keinen Gong. Sie hatten dieses Crash-Becken, das etwa 72 Zoll lang war; Es war groß. Es nahm den gesamten Hallraum ein. Als Chad am Ende den großen Krach machte, sprangen wir alle im Kontrollraum auf und schrien, als es passierte, weil es so verdammt urkomisch war.

Derry [deBorja] – Ich habe das Gefühl, dass sein Synthesizer-Part bei „Save the World“ ein großer Moment für ihn war. Er hat viel Zeit damit verbracht. Wir haben versucht, den Takt von der Pro Tools-Sitzung an den analogen Synthesizer zu senden und ihn in Einklang zu bringen.

Es erwies sich als eine sehr komplizierte Übung, da wir versuchten, neue und alte Technologie zu vereinen, aber er fand einen Weg, es zum Laufen zu bringen.

Lassen Sie uns dies mit einer Blitzrunde beenden. Ich habe meine Facebook-Freunde gefragt, was sie Sie fragen möchten. Es ist eine Mischung aus Leuten aus der New Yorker Musikindustrie und Freunden aus der Heimatstadt Kalifornien.

Das hier ist von Ryan Walsh, der eine Rockband namens Hallelujah the Hills leitet. Er fragt, ob „weiße nationalistische Monster“, wenn sie Ihre Politik verstehen und Ihnen auf Twitter mitteilen, dass sie nicht mehr auf Sie hören werden, wirklich das Schiff verlassen, oder ist selbst dieses Versprechen nichts weiter als ein trauriges Bellen?

Ich glaube nicht, dass die meisten von ihnen überhaupt jemals Fans waren. Ich weigere mich zu glauben, dass diese Leute tatsächlich die ganze Zeit meine Lieder gehört haben. Ich glaube, sie sehen etwas, das jemand retweetet hat, und dann googeln sie mich und sehen, dass ich Musiker bin, und sie sagen: „Ich war bis vorhin dein Fan.“ Ich denke, das ist alles nur Bauch-Scheiß-Taktik.

Die dem Jazz nahestehende Singer/Songwriterin Dara Tucker sagt: „Ich würde gerne seine Meinung zu Gordon Lightfoot hören.“

Oh, Gordon war unglaublich. Ich habe letzte Woche nach Gordons Tod ein Lied gespielt, das ich geschrieben hatte, „Live Oak“. Ich erwähnte auf der Bühne, dass ich glaube nicht, dass ich dieses Lied ohne Gordons Arbeit hätte schreiben können. Die Art und Weise, wie er mit dem Ort umging, und die Art und Weise, wie er Volksmusik machte, war sehr spezifisch für sein eigenes Leben.

Ich glaube, „Carefree Highway“ war der erste Song, bei dem ich diesen Aha-Moment hatte, bei dem ich dachte: „Oh, ihm geht es wegen irgendetwas wirklich schlecht.“ Dies ist keine Feier. Das ist kein Hippie-Spaß. Das ist jemand, der sagt: „Es tut mir leid.“ Und das war ein großer Moment für mich.

Der Journalist Tom Courtenay fragt: „Glaubt er, dass das Gatekeeping von Nashville/Radio reparierbar ist, oder macht es zum jetzigen Zeitpunkt nur für irgendjemanden, der einigermaßen subversiv ist, Sinn, außerhalb davon zu arbeiten?“

Ich denke, was, wenn überhaupt, Abhilfe schaffen wird, ist, wenn diese besondere Art heterosexueller, weißer, männlicher Country-Musik nicht mehr so ​​beliebt ist wie sie ist.

Ich denke nicht, dass das eine gute Sache ist. Ich würde es gerne von innen repariert sehen. Aber ich stelle mir den Zustand der populären Country-Musik im Moment so vor, dass sie auf eine Maschine mit einer ganzen Reihe von Knöpfen starren, und es gibt einen Knopf, von dem sie wissen, dass er Geld ausspuckt, wenn sie ihn drücken, also drücken sie ihn einfach weiter .

Sie werden die Hand nicht lange genug davon lassen, um einen der anderen Knöpfe auszuprobieren, auch wenn einige der anderen Knöpfe möglicherweise mehr Geld ausspucken.

Singer/Songwriter Ephraim Sommers fragt: „Was ist seine größte Schwierigkeit, sein größtes Hindernis oder seine größte Schwäche als Songwriter und wie hat er daran gearbeitet, sie zu überwinden?“

Humor ist schwer. Es ist schwierig, weil ich in meinem Alltag viel lache, und es ist schwierig, einen Weg zu finden, Humor in ein Lied zu integrieren. Ich arbeite daran, es zu überwinden, indem ich einfach versuche, verschiedene Situationsdetails zu bemerken, die ein lustiges Bild in einem Lied erzeugen würden.

Darin bin ich nicht besonders gut. John Prine war großartig darin; Todd Snider ist großartig darin. Aber in den Songs, die ich schreibe, lustig zu sein, ohne verbittert zu sein, ist eine echte Herausforderung.

Ich möchte nicht, dass es auf selbstreferenzielle Weise lustig ist. Ich möchte, dass es lustig ist, egal wer es gesagt oder geschrieben hat. Das ist eine schwierige Frage für mich, aber ich versuche es immer und immer wieder, bis der Witz schließlich so präsent ist, dass jemand ihn versteht.

Ich schließe mit meiner eigenen Frage: Was ist für Sie gerade kreativ? Was hören, lesen oder schauen Sie?

Jennifer Egan, The Candy House; Das lese ich gerade. Gestern Abend haben wir den Kriegsfilm „The Covenant“ von Guy Ritchie gesehen. Das war gut. Natürlich gefällt mir „Succession“.

Im Moment bin ich einfach total gespannt auf den Scorcese-Film, in dem ich mitgespielt habe. Ich habe Gerüchte gehört, dass der Trailer morgen herauskommt.

Erzähle mir davon.

Dieser Prozess der Arbeit an diesem Film fand wirklich seinen Weg ins Studio, als ich wieder mit den Aufnahmen begann – genau so, wie Scorcese die Meinungen anderer Leute hören und zusammenarbeiten konnte, ohne dabei seine Vision zu verlieren.

Schauspieler sind Menschen – sie sind keine Instrumente – man kann sie also nicht vollständig manipulieren, egal wie gut man Regie führt. Es ist also nicht so, dass der Regisseur der Gitarrist und der Schauspieler die Gitarre ist. Es sind viele echte Menschen im Raum, daher werden sie alle ihre Meinung und Art und Weise haben, Dinge zu vermitteln.

Zu sehen, wie er damit umgeht und alles hört – und trotzdem den Film dreht, den er in seinem Kopf gesehen hat – war für mich eine ziemlich unglaubliche Sache.

Patterson Hood von Drive-By Truckers über unterbewusstes Schreiben, das Überstehen rauer Jahreszeiten und ihr neues Album Welcome 2 Club XIII

Foto: Scott Dudelson/Getty Images

Liste

Gordon Lightfoot verstarb am 1. Mai im Alter von 84 Jahren; Sein Einfluss und seine Wirkung sind weltweit spürbar. Der viermalige GRAMMY-Nominierte hat über 500 Songs geschrieben, hier sind fünf seiner nachhaltigsten.

Bob Dylan, der nicht leichtfertig Komplimente macht, war einer der größten Fans von Gordon Lightfoot.

„Mir fällt kein Lied von Gordon Lightfoot ein, das ich nicht mag“, sagte er einmal. „Jedes Mal, wenn ich ein Lied von ihm höre, ist es, als würde ich mir wünschen, es würde ewig dauern.“

Der kanadische Songwriter Gordon Lightfoot besaß ein seltenes Talent, die richtige Wendung zu finden und zeitlose Songs zu schreiben. Im Laufe seiner mehr als sechs Jahrzehnte dauernden Karriere schrieb Lightfoot mit sorgfältig ausgewählten Worten nachklingende Melodien, die Generation für Generation ansprachen. Er konnte den Zeitgeist genauso gut einfangen, wie er ein bleibendes Liebeslied oder eine universelle Geschichte schreiben konnte. Er liebte es, in seinen Kompositionen Bilder seiner Heimat zu malen.

Am Montag verstarb der legendäre Songwriter im Alter von 84 Jahren. Er hinterlässt einen Katalog von mehr als 500 Songs und 20 Studioalben.

„Gordon Lightfoot hat den Geist unseres Landes in seiner Musik eingefangen – und dabei die Klanglandschaft Kanadas mitgeprägt. Möge seine Musik auch zukünftige Generationen inspirieren und möge sein Erbe für immer weiterleben“, twitterte Kanadas Premierminister Justin Trudeau.

Zu Lightfoots Fans gehört auch der produktive Songwriter Neil Young, der ihn als „eine kanadische Legende“ bezeichnete. Auf seiner Website beschrieb Young Lightfoot als „einen Songwriter ohne Parallelen“, dessen „Melodien und Worte eine Inspiration für alle Autoren waren, die seine Musik hörten, und das werden sie auch im Laufe der Jahrhunderte bleiben. Es gibt ein einzigartiges und wunderbares Gefühl bei Gordon Musik."

Susan Stewart, Geschäftsführerin des Songwriters & Composers Wing der Recording Academy, beschrieb den viermaligen GRAMMY-Nominierten als „einen der besten Songwriter der Welt“.

„Ich hatte einmal das Vergnügen, eine Show zu produzieren, in der er auftrat. Anfangs wirkte er etwas schüchtern, dann erwies er sich als äußerst freundlich und zielstrebig. Er erzählte uns, dass er sich selbst als Entertainer betrachte, aber nachdem er in Nashville war „Er war stolz, als er daran erinnert wurde, dass er ein Songwriter war“, sagt sie. „Gordons Lieder waren so verletzlich und ehrlich, und er konnte Geschichten in seine Texte einflechten, die die Fantasie beflügelten. Wirklich einzigartig.“

Lightfoot wurde 1938 in Orillia, Ontario (Geburtsort des Mariposa Folk Festivals) geboren. Seine Karriere begann in den Kaffeehaus-Folk-Clubs der 1960er Jahre. Als Singer/Songwriter verfeinerte Lightfoot zunächst seinen Sound und arbeitete an seinen Songs im Torontoer Stadtteil Yorkville, später arbeitete er im New Yorker Greenwich Village. Sein Debütalbum Lightfoot! erschien 1966.

Die folgende Liste könnte leicht fünfmal so lang sein, aber hier sind fünf wesentliche Songs von Gordon Lightfoot, die seine Talente unter Beweis stellen.

„Early Morning Rain“ wurde 1964 geschrieben, aber erst 1966 auf dem gleichnamigen Album veröffentlicht und ist einer der poetischsten und ergreifendsten Songs von Lightfoot. Mit Zeilen wie „This old Airport's got me down/ it's not Earthly Good to Me/ And I'm setting here on the Ground so cold and betrunken I can be“ ruft das Lied ein Gefühl von Einsamkeit und Heimweh hervor.

Songwriter kehren immer wieder zu ihm zurück und betrachten ihn als Meisterkurs für das, was einen großartigen Song ausmacht. Judy Collins, Ian & Sylvia und Peter, Paul & Mary haben alle diesen Klassiker gecovert. Bob Dylan war 1970 an der Reihe, dieses Lied zu singen; Lightfoot gab zu, dass dies einen enormen Aufschwung für seine Karriere bedeutete, da es ihn einem ganz neuen Publikum vorstellte, das Dylan als Maßstab für Songwriter ansah.

Kanadas nationaler öffentlich-rechtlicher Sender (The CBC) beauftragte Lightfoot ursprünglich, dieses Lied anlässlich der Hundertjahrfeier des Landes im Jahr 1967 zu schreiben. Es erschien auf The Way I Feel, Lightfoots zweitem Studioalbum.

Die in nur drei Tagen verfasste Komposition erzählt die Geschichte der Arbeiter, die Kanadas Nationaleisenbahn bauten, die das Land von Küste zu Küste verband. Das Tempo ahmt einen Zug nach, der die Gleise hinunterrollt. John Mellencamp und George Hamilton IV haben neben vielen anderen dieses berühmte Lied gecovert.

Diese in Los Angeles für das Album „Sit Down Young Stranger“ aufgenommene Ballade – seine erste Platte für Warners Reprise-Label – brachte dem kanadischen Folk-Sänger seine zweite GRAMMY-Nominierung ein.

Das wehmütige Lied war der erste Nr.-1-Hit des Künstlers in den USA, verhalf ihm zu seiner ersten Goldenen Schallplatte und wurde 2003 in die Canadian Songwriters Hall of Fame aufgenommen.

„If You Could Read My Mind“ ist ein Nachdenken über seine Scheidung und beschreibt Gefühle, die bei jedem Anklang finden, der jemals Kummer erlebt hat, mit einer passenden nachdenklichen Melodie. Einer der am häufigsten gecoverten Songs von Lightfoot – Glen Campbell und Olivia Newton-John haben Versionen angeboten, zusätzlich zu einzigartigen Aufnahmen des Jazzers Herb Albert und Stars on 54, die den Titel Ende der 90er Jahre in einen Disco- und Pop-Hit verwandelten.

„Sundown“ wurde 1974 als Single aus dem gleichnamigen Album veröffentlicht und ist ein weiterer Song von Lightfoot über eine komplizierte Beziehung. Mit seinen düsteren Texten und der grüblerischen, bluesigen Melodie erzählt dieser Hit von seiner turbulenten Affäre mit Cathy Smith, die später wegen des Unfalltodes des Schauspielers John Belushi angeklagt wurde.

Der Song erreichte Platz 1 sowohl in den kanadischen als auch in den US-amerikanischen Billboard Hot 100. Im Jahr 2023 spielte Depeche Mode mit dem BBC Concert Orchestra ein einzigartiges Cover dieses zeitlosen Klassikers.

Der Song wurde im Juni 1976 auf Summertime Dream veröffentlicht und erreichte Platz 2 der Billboard-Charts. Es wurde für zwei GRAMMY Awards nominiert – „Song des Jahres“ und „Beste Pop-Gesangsdarbietung“.

„The Wreck of the Edmund Fitzgerald“ zeigt die Fähigkeit des Künstlers, einen Moment der Geschichte in Liedern zu teilen. Kein Wunder, dass es einer der beliebtesten und beständigsten Songs von Lightfoot ist. Das Lied erzählt die Seemannsgeschichte des Eisenerzfrachters SS Edmound Fitzgerald aus den Großen Seen, der im November 1975 auf mysteriöse Weise sank. Alle 29 Besatzungsmitglieder kamen in dem See namens „Gitche Gumee“ ums Leben. Vers für Vers, Schlag für Schlag nimmt Lightfoot den Zuhörer mit auf diese Reise in Liedern, um diesen tragischen Moment zu teilen.

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Interview

Country-Ikone Loretta Lynn starb am 4. Oktober, Monate nach ihrem 90. Geburtstag. Der Einfluss des mehrfachen GRAMMY-Gewinners und Lifetime Achievement Award-Preisträgers nimmt im Laufe der Jahrzehnte immer weiter zu. In einer Hommage am runden Tisch reflektieren Lynns Kollegen und Fans über ihr Vermächtnis.

Mit dem Tod von Loretta Lynn, die am 4. Oktober, nur wenige Monate nach ihrem 90. Geburtstag, starb, verlor die Country-Musik eine ihrer einzigartigen Ikonen.

Als kreativer Leuchtturm für Sänger und Songwriter, der auch bei den Fans beliebt war, hat Lynn über die Jahrzehnte hinweg einen großen Einfluss ausgeübt. Ihre Arbeit und ihr Leben sind ein Beispiel für eine wahre Künstlerin, die aus ihrem Herzen sang, Ermächtigung predigte und den Stimmlosen eine Stimme gab.

Lynn, eine autodidaktische Künstlerin, die in Armut geboren wurde, wurde später als Coal Miner's Daughter bekannt – der Titel ihres Signature-Hits und ihres ersten Liedes, das 1998 in die GRAMMY Hall of Fame aufgenommen wurde. Die Künstlerin erhielt dabei zahlreiche GRAMMY-Auszeichnungen in ihrem Leben, mit drei Siegen und achtzehn Nominierungen sowie einem Lifetime Achievement Award, der ihr im Jahr 2010 verliehen wurde.

„Es war ein Privileg für die Recording Academy, Loretta während ihrer gesamten illustren Karriere zu ehren und ihre Beiträge zur Musikgemeinschaft zu würdigen“, sagte Harvey Mason Jr., CEO der Recording Academy. „Loretta hat einen unauslöschlichen Einfluss auf die Country-Musik gehabt und ihre Stimme wird auch weiterhin bestehen bleiben.“ um auch in den kommenden Jahren bei Generationen von Musikliebhabern Anklang zu finden.

Lynns erste GRAMMY-Auszeichnung erhielt sie bei der neunten GRAMMY-Verleihung im Jahr 1967 mit einer Nominierung für „Don't Come Home A Drinkin'“, einen fröhlichen Song, in dem sie ihrem Mann sagt, er solle nüchtern werden, und singt dabei: „Liquor and Love Just.“ nicht vermischen.“ Ihren ersten GRAMMY-Gewinn erhielt sie 1972 für „After the Fire Has Gone“, ein Duett mit ihrem Landsmann Conway Twitty.

„Das Wichtigste an der Country-Musik ist, dass ich sie gerne singe und es viele Leute gibt, die sie gerne hören“, sagte sie während ihrer Dankesrede nach ihrem letzten GRAMMY-Gewinn, diesem für das beste Country-Album im Jahr 2005 für Van Lear Rose, eine Zusammenarbeit mit Jack White. Es war eine prägnante Art und Weise, eine seismische Karriere zusammenzufassen.

Als Hommage an Lynn versammelte GRAMMY.com eine heterogene Gruppe von Lorettas Kollegen und Fans, um über ihr Vermächtnis nachzudenken.

Jeannie Seely (GRAMMY-prämierte Sängerin, Grand Ole Opry-Legende): Als Künstlerin/Songwriterin wird ihr Einfluss noch viele Jahre lang von Historikern gespürt und untersucht werden. Loretta war nicht nur eine so legendäre Künstlerin, sondern auch meine Opry-Schwester, eine Verbindung, die mir schon immer viel bedeutet hat. Das verbindet uns besonders, da wir alle die gleichen Träume, die gleichen Enttäuschungen, die gleichen persönlichen Herausforderungen und vor allem die gleiche Liebe zur Grand Ole Opry teilen.

Joe Bosnall (GRAMMY-prämiertes Mitglied der Oak Ridge Boys): Sie war wirklich die Königin der Country-Musik. Eine der größten amerikanischen Erfolgsgeschichten aller Zeiten. Bescheidene Anfänge zu einer ikonischen Legende, mit einer bedeutungsvollen Karriere und einem Werk, das seinesgleichen sucht.

Sunny Sweeney(Country-Singer-Songwriterin): Loretta Lynn war für uns alle eine Wegbereiterin, indem sie in ihre Fußstapfen trat und es in Ordnung brachte, über reale Situationen zu schreiben und zu singen, auch wenn diese nicht immer schön waren.

Ingrid Andress (GRAMMY-nominierte Sängerin/Songwriterin): Es gibt nicht genug Worte, um Loretta Lynn als eine der Ersten zu danken, die den Weg für Frauen im Land geebnet hat, auf dem sie weitergehen können. Sie ebnete den Weg für so viele, indem sie ihr Talent und ihre Stimme zu einer Zeit teilte, als die Stimmen von Frauen noch nicht gehört wurden. Mögen wir das Glück haben, dass Künstler und Songwriter diese Country-Musik-Tradition fortsetzen und die Geschichten teilen, die uns auf die wichtigste Weise verbinden.

Connie Smith(GRAMMY-nominierte Singer-Songwriterin): Loretta war immer meine Lieblingssängerin und eine tolle Freundin.

Rita Wilson (Schauspielerin, Sängerin): Sie war klug, sie war stark und sie war freundlich. Wie sie sagte: „Ich habe nicht viel Bildung, aber ich habe einen gewissen Verstand.“

Amanda Shires (GRAMMY-prämierte Singer-Songwriterin, Mitglied von The Highwoman): Mein Großvater hörte viel Musik. Als wir Blumen verkauften (er war ein Großhandelsgärtner), war eine der Künstlerinnen, die er gerne spielte, Loretta Lynn. Ich bewundere die Art und Weise, wie er furchtlose Frauen liebte. Loretta war furchtlos. Sowohl Garland Shires als auch Loretta Lynn haben mir geholfen zu lernen, wie ich mich auf mein Bauchgefühl und die Stärke in mir selbst verlassen kann. Und ich bin dankbar, dass er mich mit ihrer Musik bekannt gemacht hat.

Connie Smith : Als ich das erste Mal nach Nashville kam, ging ich zum Plattenladen Ernest Tubb und ein Mann sagte, meine Frau möchte dich kennenlernen, und es war Loretta. Sie sagte: „Ich habe dich dort oben gehört und du wirst es schaffen. Ich werde für dich tun, was Patsy Cline für mich getan hat.“ Sie brachte mich während ihrer Show sogar zum ersten Mal auf die Bühne der Grand Ole Opry.

Sunny Sweeney : Sie war für mich persönlich eine große Inspiration. Den Ratschlag, den sie mir vor vielen Jahren gegeben hat, trage ich zu jedem Schreibtermin mit: „Schreib einfach, was du weißt, Baby, schreib einfach, was du weißt.“

Joe Bosnall : Ich bin vor 49 Jahren zu den Oak Ridge Boys gekommen und sofort waren wir bei einer Loretta Lynn CBS-Sondersendung dabei. Wir trugen diese karierten Mäntel, die es heute in Lorettas Museum gibt. Ich fand sie schön, anmutig und freundlich. Das hat sich im Laufe der Jahre nie geändert.

Sierra Rumpf (Bluegrass-Sängerin, Gitarristin und Mandolinerin): Ich habe Loretta zum ersten Mal vor sechs oder sieben Jahren hinter den Kulissen der Grand Ole Opry in Nashville auftreten sehen. Ich war so beeindruckt, wie wunderschön sie in ihrem langen, fließenden Kleid mit roten Pailletten war. Ich konnte nicht aufhören, ihr zuzusehen, wie sie mit so viel Anmut die Bühne betrat und ihr Gesang immer noch wie eine Million Dollar klang. Ich werde es nie vergessen. Ich ging nach Hause und begann mit neuer Begeisterung besessen über ihre Alben nachzudenken.

Michael Trotter (Singer-Songwriter, The War And Treaty): Als ich aufwuchs, stand in meinem Schlafzimmer das alte ACME-Radio meiner Großmutter. Damals gab es FM, das die neuesten Hip-Hop- und R&B-Trends spielte. AM spielte alle religiösen Sachen wie Moody Bible. Aber nachts spielte die klassische Country-Western-Musik die ganze Nacht. Mama hat mein Radio so eingestellt, dass es nur diesen AM-Sender abspielt, und ich bin jeden Abend zu Loretta Lynn eingeschlafen.

Rita Wilson : Man musste nicht aus dem Süden kommen, um Loretta Lynn zu lieben. Ihre Talentkraft erreichte mich als junge Frau in einem anderen Süden, Südkalifornien. Es war schockierend, eine Frau singen zu hören: „You Ain't Woman Enough To Take My Man“. Es war der ultimative Diss-Track und seiner Zeit voraus. Sie ermöglichte es Frauen, buchstäblich und metaphorisch eine Stimme zu haben. Es war so kraftvoll, dies in einem Lied zu hören.

Jeannie Seely : Mein Lieblingslied ist „Blue Kentucky Girl“. Es ist so aufrichtig, dass man jedes Wort glauben muss, das sie singt, weil sie es einem das Gefühl gibt. Und jeder kann es mit der Herkunft in Verbindung bringen, so wie ich es getan habe.

Connie Smith: Ich liebe alle ihre Lieder, aber mein Favorit ist „Here I Am Again“.

Michael Trotter : Das erste Lied, das ich jemals von Loretta gehört habe, war in den 80ern... „Don't Come Home A Drinkin'.“ Wenn Papa betrunken nach Hause kam und er und Mama sich stritten, ging ich in ihr Zimmer und fing an, Papa dieses Lied vorzusingen, und sie hörten tatsächlich auf zu streiten. Da wusste ich, dass sie Superengelkräfte hatte. Ich werde nie vergessen, wie ich sie zum ersten Mal hörte.

Joe Bosnall : [Mein Lieblingslied von Loretta ist] „Don't Come Home A Drinkin'.“ Jeder lebende Mann wusste, was das bedeutete.

Amanda Shires: „Die Lieder, die ich am meisten liebe, sind diejenigen, mit denen ich mich am meisten identifizieren kann: „Don't Come Home a Drinkin'“, „The Pill“. Sie war für die Wahl. Und als ich das in ihren Memoiren las, habe ich dachte, Amen...ich bin froh, dass es mehr von uns gibt, als ich dachte.

Sunny Sweeney: „Sie war mit ihrer Musik bereits von ihrer ersten Single an meine Königin, aber als sie „Van Lear Rose“ veröffentlichte, wurde sie auf das allerhöchste Podest gesetzt. „Miss Being Mrs“ ist wahrscheinlich einer der großartigsten Songs aller Zeiten. "

Rita Wilson : [Mein Lieblingslied ist] „Coal Miner's Daughter.“ Mein Vater war ein Einwanderer und kam auf einem Frachtschiff nach Amerika, wo er die Kohle schaufelte, die die Motoren des Bootes antreibt. Loretta schien über meine Familie zu singen.

Lorettas Familie hatte nicht viel Geld, aber sie war glücklich und liebte sie. Sie sang voller Stolz und nicht verlegen über ihr Leben. In diesem Lied verkörperte sie die Werte, die im Leben wichtig sind: Familie, Liebe, harte Arbeit und ein spirituelles Leben.

Tanya Trotter (Singer-Songwriterin, The War And Treaty): „You Ain't Woman Enough To Take My Man“ war mein erstes Lied [von Loretta Lynn, das ich liebte]. Es war die eleganteste Art und Weise, wie ich jemals gehört habe, wie eine Frau eine andere Frau beschimpft hat, ha!

Joe Bosnall : Sie hat Songs geschrieben, die eindringlich und bedeutungsvoll waren. Großbritannien hat seine lange amtierende Königin verloren und jetzt haben auch wir UNSERE Königin verloren.

Tanya Trotter: Sie verlässt diese Welt ohne Bedauern, ohne Rücksichtnahme oder ohne Scham und wir werden in Erinnerung an sie hart auf dem Spielplatz der Erde arbeiten.

Amanda Shires : Ich bin dankbar für die Zeit, die ich in ihrer Gegenwart verbringen oder für sie singen durfte. Wegen ihr sind wir alle in einer besseren Welt. Loretta wird immer eine Heldin und ein Licht bleiben.

Sunny Sweeney : Es schmerzt mich so sehr, dass wir einen weiteren meiner Helden verloren haben. Mein tiefstes Mitgefühl gilt der Familie von Miss Loretta.

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Amanda Shires stellt in dieser Folge von Herbal Tea & White Sofas das Reinigungsprodukt für unterwegs vor, auf das sie unterwegs schwört.

Amanda Shires trägt unterwegs viele Rollen: Sie ist Solokünstlerin, ein Viertel der Country-Supergroup The Highwomen (mit Maren Morris, Brandi Carlile und Natalie Hemby) und Teil der 400 Unit, der All-Star-Begleitband für sie Ehemann, der Americana-Gigant Jason Isbell.

Aber ganz gleich, wie das Line-up aussieht, Shires ist schon lange genug auf Tour, um zu wissen, was sie vor ihren Auftritten hinter der Bühne braucht, und ein wichtiger Bestandteil ihres Tourriders ist die Auswahl an Weinen.

„Ich habe ein paar verschiedene Weinreiter, die losfahren. Die 25-Dollar-Stufe, die 40-Dollar-Stufe, die Feier-Stufe, die Stufe „Womit wir auskommen, wenn wir mitten in Amarillo sind“, scherzt sie. „Ich bin einfach jemand, der das erste Wunder Jesu wirklich zu schätzen weiß.“

In dieser Folge von Herbal Tea & White Sofas erklärt die Singer/Songwriterin und Geigenspielerin, dass ihre Tourrider straßenerprobt sind. Im Laufe der Jahre hat sie gelernt, dass sie, wenn sie hinter der Bühne Wein trinken will, auch eine wirksame Möglichkeit braucht, verschüttete Flüssigkeiten zu beseitigen.

„Damit und wegen meiner Tollpatschigkeit muss ich Shout-Tücher haben“, fährt Shires fort. „Reiche Mengen Shout Wipes. Das ist das Einzige, mit dem man ganz schnell Rotwein aus der Kleidung bekommt. Und außerdem entfernt es Kolophonium von der Kleidung, wenn man hinter der Bühne Geige geübt hat. Ganz zu schweigen von allem anderen.“ Corn-Dog-Zeug, das du auf dein T-Shirt bekommst.

Das ist der Grund, warum man sie wahrscheinlich immer in Schwarz sieht, wenn sie auf Tour ist („Schwarz ist deine Freundin, oder? Sein einziger Feind ist Senf“, witzelt sie). Aber Shires sagt, dass ihre Enthüllung über die Shout-Wischtücher erst mit der Geburt ihrer Tochter Mercy im Jahr 2015 wirklich erfolgte.

„Und jetzt unterstütze ich ihr Geschäft wahrscheinlich fast im Alleingang“, fügt sie lächelnd hinzu.

Obwohl Shires derzeit nicht unterwegs ist, steht auf der Tourseite ihrer Website kryptisch „Coming Soon“. Mit einem neuen Album auf dem Weg – Take It Like A Man, erscheint am 29. Juli – könnte es nicht lange dauern, bis Shires den Weinreiter der „Feierlichkeitsklasse“ durchbricht.

Klicken Sie oben auf „Play“, um das vollständige Video anzusehen, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere Folgen von „Herbal Tea & White Sofas“.

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Amanda Shires

Foto: Schmelling

Nachricht

In der ersten Folge von It Goes To 11 – einer GRAMMY.com-Videoserie, in der Musiker ihre Lieblingsausrüstung erklären – sehen Sie, wie die amerikanische Sängerin/Songwriterin Amanda Shires darüber spricht, wie sie ihre wertvolle Geige verloren, aber eine mit einer faszinierenden Geschichte gewonnen hat

Können Sie sich vorstellen, dass Ihr wertvolles Instrument auf der Bühne zerbricht? Es ist der Albtraum eines jeden Musikers, undAmanda Shireshabe es gelebt.

Als sie zu einem Musikgeschäft ging, um einen Ersatz zu besorgen, fand die GRAMMY-prämierte Americana-Sängerin/Songwriterin glücklicherweise eines mit einer fesselnden Hintergrundgeschichte. Sie wusste, dass es genau das war, was sie brauchte.

In der Eröffnungsfolge von „It Goes To 11“ – einer GRAMMY.com-Videoserie, in der Musiker ihre Lieblingsausrüstung erklären – sehen Sie, wie Shires den Moment detailliert beschreibt, als ihre Lieblingsgeige den Staub zerbissen hat, und die spannende Geschichte hinter ihrem Ersatz. (Ihr festliches neues Album „For Christmas“ istjetzt überall erhältlich.)

Schauen Sie sich den Clip oben an und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere Folgen von It Goes To 11.

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